JIME XXVI

Jornadas Internacionales de Música Electroacústica

Fecha

Miércoles, 5 de octubre de 2022.

Horario

18 hs

La música electroacústica es una de las prácticas  más importantes en el campo de la producción de música actual. Desde sus inicios, se vincula con modos de hacer mediados por tecnologías, electrónicas, luego digitales y mixtas que dialogan, tensionan y generan puntos de vista singular desde del campo de la música contemporánea.

Entendemos por música electroacústica a aquella en la que intervienen medios de producción electrócnica, digital o mixtos.

Después de 70 años desde sus inicios y con el continuo avance de las tecnologías, nos seguimos preguntando sobre la creación musical mediada con estas herramientas y cómo y qué producir hoy.

Este año, las Jornadas Internacionales de Música Electroacústica cuentan con un espacio de formación llamado Escuela de Composición Electroacústica JIME 2022 que tendrá lugar los días 8, 15 y 29 de septiembre. Sus participantes fueron seleccionades a través de una convocatoria abierta y brindarán un concierto de cierre el día 5 de octubre a las 19 hs. 

Coordinación general: Gonzalo Biffarella, Gabriela Yaya y Franco Pellini

Con el auspicio de la Confederación Internacional de Música Electroacústica y de la FARME

GRILLA

5 de octubre

18 hs – Concierto 1 

Trabajos resultantes de la Escuela de Música Electroacústica de las JIME

Julia Pillet
Alan Mackinson
Dante Demarchi Oliveira
Luciano Merino
Azul Varela Rinaldoni
Alberto valentin gigena
Martín Miguel Carvajal
Gonzalo Nicolás Marhuenda, Pedro Antonio Sota Taier y Juan Cruz Ziga

Andrea Cohen

Piano Hörspiel, Estudio (Está por llover)

Daniel Teruggi

Après une réécoute de Sud


20 hs – Concierto 2

Hildegard Westerkamp

Beneath the Forest Floor

Agostino Di Scipio

Paysage Historique n.1 (Roma, Cantor Set)

Giorgio Nottolli

Trama pulsante (Pulsating weft) (2019), Bombo preparado y sonidos sintetizados.

Lori Freedman, Scott Thompson, Franco Pellini y Gonzalo Biffarella

Improvisación electroacústica


Detalle del programa

Andrea Cohen

Andrea Cohen es compositora, musicóloga y radio artista. Ha compuesto piezas electroacústicas y mixtas (instrumento y soporte electrónico) como así también música incidental para teatro y diversas obras audio-visuales. Es autora del libro “Les compositeurs et l’art radiophonique“ (INA-L’HARMATTAN,
2015). Colabora regularmente en France Culture (Radio France) realizando piezas radiofónicas experimentales y documentales de creación. Nacida en Buenos Aires, Argentina, Andrea Cohen vive y trabaja en Paris, Francia.
https://andreacohen.eu/

Piano Hörspiel, Estudio (Está por llover)
duración aproximada 18’.
2022 pieza compuesta especialmente para las JIME XXVI

El punto de partida de esta pieza electroacústica es una interrogación general sobre el Hörspiel, por eso la llamo “estudio”.   ¿Qué es un hörspiel? ¿Qué sonidos lo caracterizan? ¿sonidos naturales, sonidos de lugares -con o sin gente-, sonidos cotidianos, sonidos familiares? ¿Cómo elaborar un Hörspiel únicamente con sonidos, sin (casi) voz hablada? Y cómo hacer intervenir el piano a modo de contrapunto, el piano y sus sonidos, no sólo como música, sino como presencia, como identificación…

Daniel Teruggi

Daniel Teruggi (1952, Argentina) estudió Física, composición y piano en Argentina. En 1977 se instala en Francia donde en 1981, comienza a trabajar en el INA (Instituto Nacional Audiovisual), en el Grupo de Investigaciones Musicales (GRM). Fue director del GRM, desde 1997 hasta 2017. Desde el 2001 hasta 2016 dirigió igualmente el Departamento de Investigación y Experimentación del INA. Ha realizado numerosos trabajos en el campo de la investigación musical y audiovisual y ha desarrollado paralelamente su carrera de compositor. En los últimos años, ha estado trabajando activamente en la preservación de colecciones audiovisuales y particularmente las de música electroacústica. Ha compuesto más de 80 obras, principalmente para concierto; utilizando dispositivos electroacústicos en situaciones acusmáticas o con instrumentos en vivo. Es autor de numerosos artículos de investigación sobre el sonido y la percepción de la música o el análisis musical. Doctorado en Arte y Tecnología en la Universidad de París VIII, ha desarrollado una importante actividad educativa en las universidades de París I, París IV, en Paris Est, Marne la Vallée, donde fue responsable del Master Acusmática y Artes Sonoras. En 2016, recibió el «SMPTE Archival Technology Medal Award» por sus esfuerzos en la preservación del contenido audiovisual, especialmente la música.

Après une réécoute de Sud
10’ 2017
Estrenado en el Festival Format Raisins, Charité sur Loire, julio de 2017

Esta obra es un homenaje a Jean-Claude Risset, un caso único de compositor e investigador científico que influenció a toda una generación de músicos a través de sus aportaciones a la música por ordenador, su comprensión del fenómeno sonoro, su escucha y su sentido del diálogo, siempre atento. y abierto. Quería rendirle homenaje en torno a su obra insignia Sud, un trabajo que explora su universo sonoro. Algunos sonidos extraídos de Sud constituyen la materia prima de este trabajo. Daniel Teruggi

Hildegard Westerkamp

La compositora Hildegard Westerkamp se centra en la escucha, el sonido ambiental y la ecología acústica. Al comienzo de su carrera, trabajó con R. Murray Schafer y el World Soundscape Project y posteriormente impartió cursos de comunicación acústica en la Universidad Simon Fraser con su colega Barry Truax. Es miembro fundador del Foro Mundial para la Ecología Acústica y fue editora en jefe de su revista Soundscape entre 2000 y 2012. Ha realizado talleres de paisaje sonoro, ha dado conciertos y conferencias, y ha coordinado y dirigido Soundwalks a nivel local e internacional. Las composiciones de Hildegard se han interpretado y difundido en muchas partes del
mundo. Las obras musicales y la escritura pioneras de Westerkamp en las intersecciones del ambientalismo, la comunicación acústica, las artes de la radio, las prácticas auditivas y el paseo sonoro activan la conciencia de que el sonido es una dimensión decisiva del mundo, una idea que sustenta el pensamiento contemporáneo en los ámbitos social, político, artístico y científico. prácticas de respeto y preocupación por el medio ambiente.
www.hildegardwesterkamp.ca

Beneath the Forest Floor  (1992)
para audio de 2 canales.
por Hildegard Westerkamp
Comisionado por CBC Radio para Two New Hours
Estreno en radio: 17 de mayo de 1992, Canadian Broadcasting Corporation, Toronto,
Ontario, Canadá
Duración: 17:23

Beneath the Forest Floor se compone de sonidos grabados en bosques primarios en la  costa oeste de la Columbia Británica. Nos lleva a través del bosque visible, a su mundo de sombras, a su espíritu; en lo que afecta nuestro cuerpo, corazón y mente cuando experimentamos el bosque. La mayoría de los sonidos de esta composición se grabaron en un lugar específico, el valle de Carmanah en la isla de Vancouver. Esta selva tropical antigua contiene algunos de los abetos de Sitka más altos del mundo y cedros que tienen más de mil años. Su quietud es enorme, interrumpida solo ocasionalmente por los sonidos de pequeños pájaros cantores, cuervos y arrendajos, ardillas, moscas y mosquitos. Aunque Carmanah Creek es una presencia acústica constante, nunca perturba la paz. Su sonido entra y sale del silencio del bosque mientras el sendero serpentea dentro y fuera de los claros cerca del arroyo. Unos días en el Carmanah crean una profunda paz interior – transmitida, seguramente, por los árboles que han estado parados en el mismo lugar durante cientos de años.

Debajo del suelo del bosque intenta proporcionar un espacio en el tiempo para la experiencia de tal paz. Mejor aún, espera alentar a los oyentes a visitar un lugar como Carmanah, la mitad del cual ya ha sido destruido por la tala de árboles. Además de experimentar su gran quietud, una visita también transmitirá un conocimiento muy
real de lo que se pierde si estos bosques desaparecen: no solo los árboles sino también un espacio interior que nos transmiten: una sensación de equilibrio y enfoque, de nueva energía y vida. El bosque interior, el bosque en nosotros. Debajo del suelo del bosque fue encargado por CBC Radio para Two New Hours y fue producido en las instalaciones de producción de audio avanzado de CBC en Toronto con la asistencia técnica de Joanne Anka y Rod Crocker. Gracias a Norbert Ruebsaat por proporcionar sus grabaciones de un cuervo adulto y un cuervo joven de Haida Gwaii. Todas las demás grabaciones las hice principalmente en Carmanah Valley en la isla de Vancouver, así como en bosques cerca del lago Cowichan en la isla de Vancouver, en la isla Galiano y en Lighthouse Park cerca de Vancouver. Todos los sonidos se grabaron durante el verano de 1991. Gracias a Peter Grant por ayudar en gran parte del proceso de grabación. Un agradecimiento especial a David Jaeger, productor de Two New Hours, por hacer esto posible y por darme la oportunidad de trabajar en las instalaciones completamente digitales antes mencionadas en CBC Radio, Toronto. Beneath the Forest Floor recibió una mención en Prix Italia 1994 y fue recomendado para su transmisión por la Tribuna de Música Electroacústica del Consejo Internacional de Música en 1992. Extractos de Beneath the Forest Floor aparecen en Elephant (2003), una película de Gus van Sant.

Agostino Di Scipio

Agostino Di Scipio (Nápoles, 1962) es compositor, artista sonoro docente, Di Scipio se graduó en Composición y Música Electrónica en el Conservatorio de L'Aquila y luego se doctoró en la Universidad París VIII, con una investigación basada en la práctica sobre la noción de «liveness» en la electrónica en vivo en contextos performáticos e instalaciones sonoras. Su trabajo compositivo se basa en enfoques peculiares sobre la generación y transmisión de sonido y, a menudo, da como resultado el diseño y la exploración de redes tecnológicamente híbridas en interacciones sonoras. Di Scipio ha investigado extensamente la teoría, la historia y la política de las tecnologías de sonido y los medios musicales, y sus publicaciones son extensas en esos temas. Se desempeñó como profesor de tiempo completo en Composición Electroacústica en el Conservatorio de Nápoles (2001-2013) y hoy ocupa el mismo cargo en L'Aquila. Anteriormente «Edgard-Varèse-Professor» en Technische Universität, Berlín, y «profesor invitado» en la Universidad de Illinois Urbana-Champaign, ha dado conferencias en numerosas instituciones en todo el mundo y se ha unido a varias unidades de investigación artística, incluso en Université Paris VIII y Technische Universität Graz.
http://agostinodiscipio.xoom.it/adiscipi/
https://orcid.org/0000-0001-7953-9508

Paysage Historique n.1 (Roma, Cantor Set)
1998

Entre 1998 y 2005 he realizado una serie de cuatro obras multicanal, bajo el título del proyecto PAYSAGES HISTORIQUES. Cada obra se centra en una capital occidental (Roma, Berlín, París y Nueva York). El objetivo no era en absoluto hacer «paisajes sonoros»: más bien era crear una experiencia en sonido que reflejara eventos
históricos (Berlín, París) y presentes, sociales o políticos (Roma, Nueva York). Roma surge de la profunda reelaboración de las grabaciones de campo que me proporcionó Michael Rüsenberg en 1997. El sonido de la llamada «ciudad eterna», en gran medida connotado por la industria del turismo, a menudo no es más que una bonita postal: la procesé y lo transformé en algo más directo y realista (aunque solo hecho de texturas sónicas en gran medida abstractas y abrasivas): un mundo más cercano al sonido del underground, polvoriento, residual, áspero, laberíntico. Desde «abajo», el sonido de «arriba» se escucha muy diferente al paisaje sonoro turístico, y finalmente se convierte
en el sonido de «cualquier» metrópolis. Técnicamente, la mutación se realizó mediante un proceso iterativo siguiendo el conjunto matemático de Cantor (también conocido como «Cantor´s powder»), produciendo algo que no es una línea (sonido continuo) ni un punto (pulso único), sino algo en el medio, una textura de sonido fina y multicapa con una dimensión fractal. Las texturas resultantes luego se procesaron con técnicas granulares de cambio de tiempo, creando, entre otros, gestos más definidos (como los que se escuchan al principio y al final). Estos materiales granulares finalmente se editaron para encajar en un marco formal general que replicaba aproximadamente imágenes (bastante populares) del conjunto matemático de Cantor.
Comisión del Goethe Institut, Roma, 1998.

Giorgio Nottoli

Giorgio Nottoli (Italia 1945) fue profesor de música electrónica en el Conservatorio de Roma S. Cecilia hasta 2013. Actualmente es profesor de Análisis y Composición Electroacústicos en el Máster en Artes Sónicas de la Universidad de Roma «Tor Vergata». La mayoría de sus obras utilizan medios electrónicos tanto para la síntesis como para el procesamiento del sonido. El centro de su investigación como músico es el timbre concebido como parámetro principal y «unidad constructiva» de sus obras a través de la composición de la microestructura del sonido. En sus obras para instrumentos y electrónica, Giorgio Nottoli pretende extender la sonoridad de los instrumentos acústicos a través de un complejo procesamiento de sonido. En 2008 fundó EMUfest (Festival internacional de música electroacústica del Conservatorio de Roma S. Cecilia) del que coordinó las seis primeras ediciones.

Trama pulsante (2019)
bombo preparado y sonidos sintetizados

La obra consiste en una banda sonora compleja, construida con diferentes líneas y timbres, que se desarrolla modificando su armonía interna. De ahí emergen, como una trama de una urdimbre, eventos más dinámicos y luminosos que se desarrollan en el tiempo creando representaciones rítmico-tímbricas simples y complejas. La percusión realiza la trama que se desarrolla en relieve sobre la urdimbre, formada por sonidos sintetizados integrados por elaboración de los mismos sonidos percusivos. Los sonidos sintetizados se generan mediante un instrumento virtual, Texture, diseñado por el compositor. Los sonidos de percusión se obtienen «preparando» el bombo con diferentes instrumentos metálicos. Se colocan o retiran de la piel del bombo, obteniendo así un instrumento de timbre variable, que se va adaptando a las diferentes situaciones expresivas de la composición. La obra está dedicada al percusionista Antonio Caggiano. El estreno mundial tuvo lugar el 27 de julio de 2019 en Siena dentro del festival Accademia Chigiana.

Amber – Lori Freedman (clarinetes) y Scott Thomson (trombón)

Montreal, Canadá
Scott Thomson y Lori Freedman tocaron juntos por primera vez en Toronto en 2006.

Lori Freedman

Lori Freedman (clarinetes) es miembro del grupo internacional de personas actualmente llamado «los músicos del renacimiento». La práctica artística de Freedman abarca toda la gama. Está inmersa en corrientes de música contemporánea e improvisada y es conocida internacionalmente por sus actuaciones provocativas y creativas. Como intérprete de música escrita para clarinete le han sido dedicadas y/o estrenadas cientos de obras. Mientras administraba un programa completo de presentaciones (más de 75 conciertos al año), realizaba grabaciones, realizaba giras y dirigía talleres, Freedman también recibió encargos para escribir música para conjuntos de música contemporánea notables, incluidos Arraymusic Ensemble, Ensemble Transmission, Continuum Contemporary Music Ensemble, y muchos más. Sus trabajos en solitario se han presentado internacionalmente (Taiwán, Australia, Europa del Este y Occidental, Reino Unido y EE. UU.) y ha recibido invitaciones a presentaciones de organizaciones como el Festival de Huddersfield (Reino Unido), la Sociedad Internacional de Música Contemporánea, el Festival Gaudeamus ), À l'Improviste (Radio Francia) y lugares destacados como The Loft (Alemania), Rai Radio (Italia), Redcat Theatre, Roulette y The Stone (EE. UU.). En 2017 fue elegida miembro de la Royal Society of Canada por “logros artísticos sobresalientes”, veinte años después de haber recibido el premio Freddie Stone (1998) por la “demostración de liderazgo, integridad y excelencia sobresalientes en el área de la música contemporánea”. y jazz.”
lorifreedman.com

Scott Thomson (trombón)

Scott Thomson es un trombonista y compositor de Montreal cuyo compromiso con la improvisación abierta es la base de gran parte de su trabajo, como solista, con Lori Freedman y con Monicker (con Arthur Bull y Roger Turner), por ejemplo. Sus canciones sobre textos de otros para la cantante y artista de danza, Susanna Hood, se han interpretado en muchos contextos, algunos con su coreografía. Como productor, Scott ha codirigido la Asociación de Músicos Improvisadores de Toronto, la AIMToronto Orchestra (para trabajar con Anthony Braxton) y la Montreal-Toronto Art Orchestra (para trabajar con Roscoe Mitchell); y fundó el estudio de Toronto, Somewhere There. Ha realizado obras específicas para el sitio para músicos móviles y audiencias en contextos no convencionales que incluyen, en particular, la Galería Nacional de Canadá y la Galería de Arte de Ontario. Con Karen Ng, Scott programa el Festival de Jazz de Guelph.
scottthomson.ca

Escuela de Música Electroacústica de las JIME

A partir de instancias de taller jóvenes artistas sonoros y músicos de Córdoba, con el fin de intercambiaron puntos de vista a partir de la escucha reflexiva de trabajos electroacústicos en proceso, de quienes participen.

Se trabajó en formato taller/laboratorio. Durante los encuentros grupales cada uno compartirá su pieza en proceso con docentes y compañeros. Participantes activos accederán también a una clase individual para discutir los procesos compositivos y estéticos de sus piezas. Durantes las JIME las personas seleccionadas de la Escuela presentarán sus trabajos en proceso. La Escuela de Música Electroacústica de las JIME está conformada por:  Julia Pillet, Alan Mackinsonlás Marhuenda, Pedro Antonio Sota Taier y Juan Cruz Ziga, Dante Demarchi Oliveira, Luciano Merino, Azul Varela Rinaldoni, Alberto valentin gigena, Martín Miguel Carvajal y Gonzalo Nico.

Franco Pellini

Franco Pellini, compositor, improvisador y artista sonoro. Profesor adjunto a cargo del Taller Experimental III del Departamento de Música de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba; Director del Centro de Estudios Experimentales de la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Provincial de Córdoba, donde también es Profesor Asociado en Nuevas Tecnologías Aplicadas a la Producción Musical y en el Taller de Producción Musical. Investigador en el proyecto»Música contemporánea cordobesa del Siglo XXI: cartografía, diferencias y vínculos desde una perspectiva técnico-musical» (UNC). Es Doctorando en Artes de la Universidad Nacional de Córdoba. Sus obras se han presentado en Argentina, Chile, México, Ecuador, España, Bélgica, Holanda, Francia, Portugal y Austria. Como improvisador ha participado de conciertos junto a LEIM Ensamble, Josep Lluís Galiana, César Bernal, Colectivo Radiador, Máximo Endrek, César Alarcón, Andrés Asia, Albert Cirera, Javier Pedreira y Wade Matthews entre otros.

gabi yaya

Compositora y docente, trabaja especialmente con música electroacústica y mixta y propuestas multidisciplinarias y experimentales. Sus composiciones se han estrenado en Argentina, España, Holanda, Colombia, entre otros.
Ha recibido diferentes reconocimientos, como los otorgados por el IMEB, Francia, la Universidad de Quilmes, el Goethe-Institut o Unesco Cultura. Se desempeña como docente titular en la Universidad Nacional y en la Universidad Provincial de Córdoba y como directora de un proyecto de investigación sobre la música contemporánea en Córdoba (SeCyT/UNC) en la que indaga sobre las actividades y producción de compositoras cordobesas en lo que va del siglo XXI. Actualmente es integrante del Foro argentino de Compositoras y forma parte de una mesa de discusión abierta sobre Análisis musical y perspectiva de género en la música junto a compositorxs de la Red de Compositoras Latinoamericanas – redcLa-
http://gabiyaya.com.ar/

Gonzalo Biffarella

músico – artista multimedia – docente universitario – gestor cultural
Nació en 1961. Se formó como compositor en la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Fue Premio Universidad, al mejor promedio. Estudió guitarra con Irma Costanzo en Buenos Aires.A lo largo de su trayectoria  recibió numerosas distinciones, en el ámbito nacional e internacional. Sus obras se han presentado en 30 países. Ha realizado obras por encargo para algunos de los principales centros de producción electroacústica, entreellos: el  IMEB (Instituto Internacional de musica Electroacústica de Bourges – Francia), la Cadena radial WDR 3 de Colonia Alemania, para el Estudio de Arte Acústico que dirigía Klaus Schoening, el CSC de la Universidad de Padova –Italia y el LIPM del Centro Recoleta de Buenos Aires – Argentina, El Festival Zeppelin de Barcelona y el Centro
Reina Sofía de Madrid. Sus composiciones han sido reproducidas en diversas ediciones discográficas, entre las que se destacan: el CD monográfico “MESTIZAJE” editado en 1997 por el sello Chrisopée Electronique de Francia y la Coleccion Panorama de la Musica Argentina, Editada por el Fondo Nacional de las Artes, y el CD «De los Espejos» dedicado a obras para instrumentos y electroacústica, publicado en 2010. Desde 2019, presenta sus obras en el sello Viajero Inmóvil Experimental, en Elektramusic, de Francia y en Nova Era Musica Secreta, España.
Una parte importante de su producción está dedicada a experiencias multimediales, trabajando con artistas plásticos, bailarines, fotógrafos, videoartistas, actores y representantes de las más diversas ramas del saber. Se desempeña como jurado en concursos de música y arte digital, tanto en su país como en el extranjero. Como docente universitario, tiene una trayectoria de más 28 años, se desempeñó como profesor titular de: Técnicas y Materiales Electroacústicos, del Taller Experimental de Música I, II y III, del Seminario de Composición con nuevas tecnologías y responsable del Posgrado en Artes Mediales de la Facultad de Artes de Universidad Nacional de Córdoba. Ha dictado cursos, seminarios y talleres en más de 20 universidades, en América y Europa. Como Gestor Cultural se ha desempeñado con Porsecretario de Cultura de la UNC, Director del Museo de Bellas Artes Dr. Genaro Pérez y Director de Cultura de la Municipalidad de Córdoba. Fue Fundador y Coordinador Anilla Cultural Latinoamérica Europa – Centro Cultural España Córdoba- Red de Centros de AECID. En la actualidad coordina el sello de Música Experimental en red, Viajero Inmóvil Experimental. Así también es el coordinador de las JIME (Jornadas Internacionales de Música Electroacústica), que se realizan en Córdoba, Argentina desde 1990.
http://abctrio.blogspot.com/
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Más actividades

octubre 2022

lu ma mi ju vi sa do
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